Lana del Rey – Born To Die (2012)

  1. Born to Die 9,5
  2. Off the Races 8,5
  3. Blue Jeans 9,5
  4. Video Games 9,5
  5. Diet Mountain View 8,5
  6. National Anthem 9
  7. Dark Paradise 9
  8. Radio 9
  9. Carmen 8,5
  10. Million Dollar Man 7
  11. Summertimes Sadness 9
  12. This Is What Makes Us Girls 8,5

Puntaje del disco: 9,5

Este post también podría titularse El Curioso Caso de Lana del Rey o algo por el estilo que note la “particular” recepción crítica que ha tenido este disco, un álbum absolutamente fantástico y lo mejor que ha tenido el pop en mucho tiempo junto al 21 de Adele. Me di a la tarea de observar cuales eran esas objeciones que se le hacían y encontré que la mayoría de ellas lo tratan de frío, impersonal, artificio y demás. A mí no me queda más que preguntar si esto es de verdad una crítica válida contra un disco, ¿artificio? ¿alguien conoce algo absolutamente sincero en el pop? ¿alguien conoce un artista mainstream que saque discos sólo por caridad y profesionalidad artística? ¿alguien cree que es malo ser comercial? No falta además quien critica el que Lana sea la hija de un empresario ¿en serio es esto un argumento? Para quienes no realizan estas afirmaciones ni otras de similar “calidad” no tengo nada que decirles, entiendo que no a todos nos gusta los mismo, ellos sí están en su justo derecho a decir lo que piensan.

Ahora, hablemos del disco en cuestión: una joya que será recordada dentro de 10 o 20 años y será ejemplo de esos álbumes que recibieron una mala recepción para luego ser alabados. ¿Parezco un fanático? quizá sea porque el pop mainstream goza de un nivel muy bajo, no sólo ahora sino en todas las épocas.

Born to Die, la canción que da inicio a este trabajo, es mi favorita del disco. Esta historia trágica cantada con esa voz tan aletargada, tan suave, logra transmitirme mucho más que ninguna otra canción del momento: don’t make me sad, don’t make me cry… you and I, we were born to die. Además tiene una característica que es esencial en este disco, una producción impecable. Momentos como el 1:34 son para eregirle una estatua al genio que lo creó.

Off to the Races podría parecer una canción mucho más genérica, pero está estupendamente bien hecha. Reconozco que no es el tipo de temas que me lleguen demasiado, así que mi nota no puede ser mayor a la que le he colocado, aunque entiendo que hay gente para la que es el pico del álbum. La segunda joya del disco, el segundo momento que pasará directamente a la historia de la música es Blue Jeans. I will love you till the end of time, I would wait a million years, la letra es de lo más simple que pueda existir, pero los falsettes de Lana son impresionantes, además de tener una base muy buen construida.

Video Games es el tercer punto culmen del disco, mucho más lenta que sus compañeras, preciosa, llena de sentimiento y de vida. Honey, is that true? sí, es cierto, tienes un talento inmenso muchacha y te convertirás en un referente del pop de excelente factura. Esta probablemente será la canción que aparecerá en las listas de mejores canciones de la historia de aquí a unos años, como ya sucedió en el 2011 con un justísimo primer lugar en la NME y The Guardian. En este punto me gustaría hacer una reflexión un poco tonta: ¿si lo que viene de aquí en adelante fuera para cortarse las venas, este disco merecería un 4, o un 5? La respuesta es no, un trabajo con estas tres canciones: Blue Jeans, Born to Die y Video Games no merece ese trato.

Diet Mountain View es la segunda canción “animada del disco” y tiene un estribillo absolutamente arrebatador, algo que Lana repetirá en muchas de sus canciones. Un tema que no aburre, que no cansa, incluso para los que no estamos acostumbrados a este tipo de música. National Anthem evidentemente homenajea a la inmortal Bittersweet Symphony en su inicio. Una base de hip hop para un coro capaz de ganarte por completo, ante el que no queda más que arrodillarse y agradecer que alguien entendiera la diferencia entre un estribillo arrebatador y uno pegajoso que en dos días te tiene hasta el hastío.

Dark Paradise es la canción más polémica por su producción del disco, con muchos aaaa y una base espectacular. Una canción nuevamente sobre el amor oscuro y trágico. Quien no se rinda ante el coro, no tiene alma. Everytime I close my eyes It’s like a dark paradise. I wish I was dead. Además se agradece que en un mundo de pop mainstream donde muchas han optado por dar discursos de superación personal con letras para ponerse a llorar de lo malas que son, alguien tome otros temas, como el lujo, el sexo y el amor trágico, y lo haga de forma tan sincera.

Radio es una de las canciones más bonitas del disco, sencilla, diferente a sus tres predecesoras, pero nuevamente con algo en lo que Lana no falla: Now my life is sweet like cinnamon, Like a fucking dream I’m living in, Baby, love me cause I’m playing on the radio, (How do you like me now?) Estribillos para quitarse el sombrero, sé que lo he repetido muchas veces, pero es que esta chica es una máquina para fabricarlos, fascinantes e inolvidables.

Carmen es una canción que parece ajustarse a la época que Lana quiere evocar, una letra enigmática, ¿quién es Carmen? She laughs like god, her mind’s like a diamond. Un tema que podría ser perfectamente de principios de los 50. Una pequeña joya dentro del disco. Si hasta aquí todo han sido alabanzas, no es porque yo sea un fanático, sino porque el disco se lo merecía. Con la siguiente canción, simplemente no puedo: Million Dollar Man. Claro, suena a aquella época, a la que evoca con su vestuario, pero no me dice absolutamente nada, me aburre. Si quiero escuchar algo así me pongo una banda sonora de los 50, que tiene mucha más energía que esto.

Summertimes Sadness supone un nuevo ascenso en el disco, un pico, y ¿adivinen qué? un estribillo y en especial una estrofa anterior completamente sensacional que es imposible sacar de tu cabeza: Oh, my God, I feel it in the air, Telephone wires above are sizzlin’ like your stare, Honey I’m on fire I feel it everywhere, Nothing scares me anymore. Este es el último punto álgido de un álbum, que no finaliza nada mal con This Is What Makes Us Girls, que sin embargo, me suena a fórmula conocida.

Una joyita que necesitará del algún tiempo, quizá que se acabe el hype, para que la crítica reconozca en él todas sus virtudes. Por el momento la recepción pública no parece ser un problema: número uno en i-tunes de los mercados más importantes del mundo. Esto, y que Adele haya vendido más de 17 millones de copias de su fabuloso 21 nos dan una pequeña esperanza sobre un posible triunfo de la calidad en el mainstream, como sucedió con el grunge a principios de los 90.

The Suburbs – Arcade Fire (2010)

  1. The Suburbs 9
  2. Ready To Start 10
  3. Modern Man 8,5
  4. Rococo 9
  5. Empty Room 9
  6. City With No Children 8
  7. Half Light I 9,5
  8. Half Light II 9
  9. Suburban War 10
  10. Month Of May 7,5
  11. Wasted Hours 8,5
  12. Deep Blue 9
  13. We Used To Wait 9,5
  14. Sprawl (Flatland) 9
  15. Sprawl II (Mountains Beyond Mountains) 9,5
  16. The Suburbs (continued):

Puntaje del disco: 10

Corre el 2010 y el hype se apodera del mundo, se estrena el último disco de Kanye West con la inigualable Runaway. Por el otro lado hay un disco que copa muchos puestos de las listas de mejores discos del año y que se lleva el grammy a casa, el impresionante The Suburbs de Arcade Fire. Mucha gente queda sorprendida y se pregunta ¿quiénes son?, pues bien, estos son los creadores del mejor disco de la década pasada y uno de los mejores discos de la historia de la música: Funeral. The Suburbs no alcanza las cumbres que su début pero es lo que podríamos llamar una obra maestra.

Arcade Fire nos llevan hacia su infancia, a su interior, después de mostrarnos la belleza de la muerte en su primer disco. The Suburbs es el inicio de este viaje: “The kids want to be so hard But in my dreams we’re still screamin’ And runnin’ through the yard”, acompañada de cierto tono melancólico y de una instrumentación sencilla pero efectiva. La manera de conectar The Suburbs con Ready to Start es magnífica, dando paso a un tema que se convertirá en un clásico, una canción que siempre estuvo en tu mente, que parecía imposible que nadie hubiera creado antes. Una magnífica linea de bajo y muchos toques electrónicos para la mejor canción del disco.

Modern Man hace parte de esos temas que es extraño encontrarse en un disco de los canadienses, tranquila, sin grandilocuencias. Su coro es atrayente aunque uno siente que a la canción le falta algo más. Rococo fue una de mis favoritas en las primeras escuchas, con toda la épica de su primer trabajo, un coro que supongo que en un concierto es inevitable gritar sin parar: rococo, rococo…

Empty Room es una hermosa canción, con la belleza de la voz de Regine, una canción que te lleva a otra parte. I’m alone again. Épica y preciosa, con los instrumentos de cuerda a toda velocidad, una avalancha de sonido y un regalo para los sentidos. City With No Children es un tema completamente diferente a lo que  habían hecho anteriormente los canadienses, algo de rock clásico, pero aunque no es mala, no me llega a convencer y podría decir que hasta me aburre.

Por suerte para todos, una de las más bellas canciones creadas llega para impactarnos: Half Light I. Una balada que te derriba, de nuevo la voz de Regine en una composición delicadísima, que esconde dentro de si una tristeza infinita. Una canción sin climax pero con una fuerza arrolladora. Half Light II empieza con unas notas maravillosas y es el triunfo de la electrónica en un disco de Arcade Fire, sin perder sus señas de identidad, los canadienses arriesgan y como siempre, salen victoriosos.

¿Qué son esas notas que se entierran en tu alma? La respuesta es sencilla: un clásico instantáneo de nuevo, la irrepetible Suburban War. Nostalgia y belleza, un riff elegante y soberbio. Estos son Arcade Fire jugando con tu corazón, haciendo remover esos demonios que se esconden en tu mente, en el 3:26 se inicia una subida maravillosa: All my old friends, they don’t know me now.

Month of May debo decirlo, es una canción que no me gusta en absoluto, garagera pero lejos del sonido propio de los canadienses, no es un mal tema, pero no me llega y no me convence, quizá la canción más floja de su carrera, y eso en una plagada de éxitos no es muy malo. De la furia del tema anterior llegamos a la maravillosa contención de Wasted Hours, una balada muy bonita, aunque una más del disco, Wasted hours, before we knew Where to go, and what to do Wasted hours, that you made new And turned into A life that we can live.

Mucho mejor que la anterior es esta balada, Deep Blue sobre el mítico duelo entre Kasparov y la computadora. Un sonido oscuro, logrado por medio de atmósferas asfixiantes con la ayuda de la maravillosa voz de Butler. Aún quedan grandes cosas por venir: We Used to Wait. Quizá la canción más aclamada del disco por la crítica aunque el público no comparta tanto su opinión. Un tema en apariencia sencillo, pero lleno de matices que es imposible captar en sólo una escucha. Sin el tono pomposo de los canadienses pero con un crescendo con base en el teclado que convierte en irresistible el estribillo.

Sprawl es una canción de otra época, pero con un dolor que se siente muy cerca. Llena de momentos cautivadores, de pequeños subidones que te queman el alma. Una canción que dura lo que un suspiro, pero que te deja una huella imborrable. Sprawl II es la otra cara de la moneda, Regine protagoniza la propuesta más arriesgada del disco, de este fascinante viaje. Pomposos, grandilocuentes, insoportables para algunos, así son los toques de este tema. Mountains Beyond Mountains. Por allá en el minuto 3 se hace una pausa, para volver a impactar en seguida nuestros sentidos.

Se termina The Suburbs y como si esto fuera Pulp Fiction, Arcade Fire nos llevan al principio del disco de la mano de una versión mucho más arrastrada del tema homónimo del álbum. Una joya, una obra maestra y el disco que confirma a Arcade Fire como uno de los grupos destinados a pasar a la historia de la música como los mejores. Si los canadienses hubieran desaparecido después del Funeral, su disco seguiria considerándose como uno de los más grandes, pero ahora lograron algo más, que su nombre aparezca el día de mañana en las enciclopedias junto a grupos míticos como The Beatles o The Velvet Underground. Para que alguien diga que ahora ya no se hacen clásicos.

My Bloody Valentine – Loveless (1991)


  1. Only Shallow 10
  2. Loomer 8,5
  3. Touched —-
  4. To Here Knows When 9,5
  5. When You Sleep 9,5
  6. I Only Said 9
  7. Come In Alone 9,5
  8. Sometimes 10
  9. Blown A Wish 9
  10. What You Want 9
  11. Soon 9,5

Puntaje del disco: 10

Loveless es uno de los grandes discos no de 1991, ni de la década de 1990 sino de la historia. Una absoluta obra maestra que si bien ha sido aclamada por la crítica hasta la saciedad es todavía ignorada por el gran público. Loveless es el disco del shoegazer y es producto al igual que Pet Sounds de la megalomanía de un genio: Kevin Shields. Guitarras llenas de distorsión, capas y capas de sonido para ocultar la voz. La influencia de My Bloody Valentine es enorme, desde The Smashing Pumpkins hasta Radiohead. MBV reinventaron la música con esta obra maestra.

Only Shallow es la primera canción del disco y una joya, no sólo del disco sino de toda la carrera de My Bloody Valentine. La canción inicia con un ensordecedor sonido de guitarras distorsionadas para dar paso a la a delicada y sensual voz de Bilinda Butcher. Los coros o estribillos son reemplazados por esos extraños efectos de guitarra. La letra de la canción es un poco críptica, pero va justo en concordancia con el sonido de ensueño de la canción, los padres del Shoegaze nos hablan de dormir como una almohada. Un tema excelente e inmortal que en el 3:41 se transforma en una bella atmósfera instrumental que da paso a la siguiente canción.

Loomer es otra canción de ensueño, donde las guitarras distorsionadas suenan en el fondo, se sienten lejanas, al igual que la voz. La letra es mucho más comprensible, MBV nos habla de un mundo bastante deprimente y alguien que intenta salir de él: los niños están con la cabeza hacia abajo y a las niñas no les gusta nada de lo que hay ahí, Bilinda le aconseja a quien se va, no volver.

Touched es algo así como el particular final de Loomer, se asemeja al final de Only Shallow, no es una canción en sí, más bien un descanso de tanta distorsión que se afianza en el siguiente tema.

To Here Knows When es un tema completamente estupendo, al principio pensaba que no tenía letra, tal es el sonido que logra la canción, que es bastante particular y si se me permite, no apta para todo público. La letra no merece ser comentada, ni es mala, ni es espectacular. Lo importante aquí es la atmósfera que el grupo logra construir para nuevamente al final cerrar con una coda al estilo de Only Shallow. ¿Tanta perfección puede ser cierta? ¿Un disco sin un tema malo?

Pues When You Sleep por el momento no desentona, es más, es una de las mejores canciones del disco. Perfecta, no tiene la agresividad de Only Shallow ni el sonido etéreo de To Here Knows When, es más bien una canción pop llena de distorsión. La voz de Kevin Shields es fascinante, sí, no es un gran cantante, pero te permite conectarte con sus sentimientos, con las emociones que quiere hacerte sentir. Shields nos habla del enamoramiento, el tema desprende tristeza al igual que la letra: Then you take me down, When you walk away. Y nuevamente, una pequeña coda.

I Only Said sigue una estructura similar a Only Shallow, al principio la guitarra de forma independiente y luego la encantadora voz de Bilinda. Nuevamente se sustituyen los coros por efectos de guitarra. To lay under her, I’ve grown away, oh. El tema de la letra sigue siendo el desencanto amoroso, el dolor que ese sonido tan ambiental suaviza. Un gran tema, un oasis en el que hay que subir un poco el volumen para notar la distorsión siempre presente.

Come In Alone es otra de las grandes canciones del disco, inicia con una distorsión melódica de guitarras para desembocar nuevamente en la preciosa voz de Bilinda, una de las canciones más tradicionales del disco, pero no por eso menor a las otras. La letra es nuevamente sobre el tema que da título del disco: la ausencia del amor. Come in alone, you will love tol et go.

Si hasta aquí te ha fascinado el disco, llega el tema de su consagración, el clímax: Sometimes. Podría escribir ríos de tinta sobre esta canción, pero trataré de ser breve. El tema inicia nuevamente con una fascinante distorsión de guitarras, pero esta vez están impregnadas de algo más: melancolía y no es pretenciosa sino sincera. La letra más comprensible de todo el disco y la mejor. Close my eyes, feel me now son las dos primeras frases de la canción y es posible sentirlas con el alma. Pero si hay algo que te duele aún más es lo que sigue: I don’t know how you could not me love now. ¿Es posible expresar mejor el dolor de la desesperanza, el desamor y la frustración ante la vida? Para mí no. Los primeros minutos son la delicada voz de Shields acompañada por una hermosa melodía en crescendo que desprende más melancolía que mil palabras juntas. Por si fuera poco, en el minuto 3:18 el tema se torna en un instrumental bellísimo, capaz de hacerte llorar. Cambios como el del minuto 4:09 son de las mejores cosas que he escuchado jamás, ese crescendo es fantástico, pero creo que lo verdaderamente bello de esta canción sólo puede sentirlo cada uno. Finalmente, por allá en el minuto 5:00 el tema se apaga y termina esta hermosa experiencia.

Blown A Wish es otra genialidad más, ausencia completa de distorsión pero un tema absolutamente encantador. Una voz nuevamente de ensueño, la canción perfecta para acostarse a dormir. Quizá lo más característico son esos raros efectos vocales a lo largo de la canción. Fall apart my bleeding heart, nothing left to do, once in love I’ll be the death of you. Una de las mejores letras del disco, aunque un poco escalofriante.

En la siguiente canción, What You Want, todo cambia completamente de aspecto, al parecer a MBV se le olvidó la distorsión, pero poco importa si son capaces de crear atmósferas tan atrayentes, no es que sea precisamente la mejor canción del disco, pero es bastante rescatable. Un punto fuerte con una hermosa melodía. Una declaración de amor y posiblemente la canción más optimista del disco: What you want, let me know that I’m alive, then I go back to you and then you make (him go inside). Hay una pequeña coda al final de la canción

El cierre de disco es perfecto con una canción única dentro de las bandas de shoegazer, un tema bailable con una melodía abrasiva. La reinvención del pop, a partir de aquí ninguna canción de discoteca volverá a sonar igual para tus oídos porque sabrás que es posible hacer algo diferente en este ambiente. La letra poco importa, la canción es simplemente uno de los picos creativos de My Bloody Valentine.

Loveless es como ya dije una obra maestra, si no lo has escuchado te aconsejo que lo hagas, descubrirás una de las creaciones más perfectas y atrayentes de la historia de la música. La próxima vez que oigas a alguien decirte que Use Your Illusion de los Guns es uno de los mejores discos de 1991 podrás reírtele en la cara y decirle que seguramente no conoce ni esta obra maestra ni los otros dos discos que me faltan por reseñar en este especial.

Tres discos británicos que cambiaron la música en 1991

1991 es un año indispensable en la historia de la música, se editó uno de los mejores trabajos de la historia: Nevermind, pero además se dio uno de los mejores débuts de este arte: Blue Lines de Massive Attack. Esta entrada es justamente para eso, reconocer esos tres discos británicos indispensables para entender la música moderna publicados en 1991:

Masive Attack-Blue Lines

Primal Scream-Screamadelica

My Bloody Valentine-Loveless

Shakira – ¿Dónde están los ladrones? (1998)

  1. Ciega Sordomuda 9
  2. Si Te Vas 9
  3. Moscas En La Casa 9,5
  4. No Creo 8,5
  5. Inevitable 10
  6. Octavo día 10
  7. Que Vuelvas 8,5
  8. Tú 9,5
  9. ¿Dónde Están Los Ladrones? 9,5
  10. Sombra de Ti 7,5
  11. Ojos Así 9,5

Puntaje del disco: 10

Antes de que alguien pegue el grito en el cielo debo explicarme: la nota no indica que este disco sea comparable a otros discos a los que les he puesto un 10, principalmente porque aunque algunos se resistan, la música en español es bastante inferior a la música en inglés. Quizá alguien me tache de loco por ponerle un 10 a este disco, pero voy a dar una razón por ahora: este es el mejor disco de pop latino de toda la historia. Si te suena descabellado es porque probablemente no lo has escuchado, y si ya lo has hecho te invito a que me digas un trabajo superior a esta joya. Que Shakira haya hecho basura los ultimos años no quita lo que este disco representa para la música en español.

Ciega Sordomuda es la mezcla perfecta entre pop y ranchera con la armónica llevando la melodía. Una canción sobre el enamoramiento absurdo, una letra digna de la colombiana. Uno de sus temas más famosos, que por allá en el minuto 2:56 se acelera con Shakira ¿rapeando?, en fin una gran canción.

¿Alguien duda que Shakira tiene como una de sus mayores influencias a Alanis Morrisette? Pues que se escuche la siguiente canción: Si Te Vas. Una letra bastante divertida pero sobre todo una gran melodía, con Shakira usando su voz de manera adecuada sin llegar a los excesos, en especial me fascina la forma como canta las estrofas, el estribillo es más genérico, aunque ese “pedazo de cuero no vuelvas nunca más” es contagioso.

Y de repente te llega Shakira en plan intimista con ese temazo que es Moscas En La Casa con una de las mejores letras que haya compuesto. Mis días sin ti no tienen noches, mis días sin ti son un derroche, mis días sin ti… El comienzo de la canción se me parece al de un… ¿bolero? pero la canción es en realidad una ¿bachata? En medio de la canción hay una instrumentación delicadísima, mientras que en el 2:24 la canción se anima un poco más.

No Creo es una canción bastante extraña, me recuerda ciertos temas de John Secada, pero igual es un punto fuerte del disco, aunque a mi parecer se repite en la parte rápida del del tema, es decir, se “autoplagia” su propio Ciega Sordomuda.

Y llegó el momento más fuerte del disco, la canción inmortal de Shakira. Su Inevitable es una de las mejores canciones latinas de la historia. Con una letra más bien cutre en las estrofas y más fuerte en el coro. Empieza muy suave con Shakira haciendonos confesiones mundanas, en el 0:30 la canción toma un poco más de fuerza y ya en el 1:07 el estribillo es demoledor, de ahí en adelante la guitarra cobra un poco más de protagonismo hasta que en el 2:25 hay ¡un solo de guitarra! Esto es verdadero pop rock, como se nota mi tema preferido de esta artista.

Si alguna vez tengo alguna duda de cual es su mejor canción, es por el tema que sigue. Octavo día es una de las canciones que más me impactan de la colombiana, el inicio de canción es el mejor de todo el disco con ese sonido tan ambient. La mejor letra de Shakira, un poco pretenciosa, pero la mejor. En el 1:05 Shakira anima el tema para marcarse esa fabulosa caída en el 1:24 y luego de reponerse volver a caer en el 1:50. El tema cansa un poco con el coro repetitivo, pero le marco su 10 porque me fascina la experimentación, el interés por sonar diferente y la instrumentación.

Que Vuelvas es una canción que me genera cierto debate interno, de nuevo las estrofas me fascinan pero el estribillo se me hace un poco más cansino. La letra es bastante interesante con ese: “dime acaso a dónde vas”. En fin, que el pedazo de las estrofas me parece de 9 pero los coros repetitivos de 8, así que promediando un 8,5.

Tu tiene esa instrumentación inicial tristísima, la primera vez que suena la voz de Shakira parece un poco forzada, pero luego el tema va cogiendo ritmo y la colombiana se marca una de sus mejores interpretaciones. La letra de nuevo me parece un poco cutre pero se pasa por alto dada la calidad de la canción. Especial mención merece ese 0:41 con ese sonido tan particular similar al de algunas canciones de Gustavo Santaolalla. El coro se convertiría en algo particular de la colombiana como se vería después en temas como No o La Pared.

¿Dónde están los ladrones? es una canción de rock, con ciertos toques que me recuerdan el Low de David Bowie. El coro es perfecto, con la guitarra llevando el ritmo. De nuevo la armónica es protagonista pero sobre todo lo es la excelente voz de Shakira pegando gritos como cualquier cosa (que no aullando), lo siento tenía que decirlo.

Sombra de ti, es el punto bajo del disco, una canción sobre el desamor, la instrumentación es similar a la de Tu con esos extraños sonidos de fondo, pero le falta algo más de caña. Además lo de la letra es de risa, “me sigue rodeando la sombra de ti”, vamos que todos saben que eso suena muy, pero muy mal.

Y ya para cerrar el disco uno de sus temas más famosos, Ojos Así. Con esa perfecta mezcla entre pop y melodías árabes, una propuesta arriesgada pero sublime. La parte en la que el coro de compañía canta es perfecta, además de la conseguida ambientación. La letra es bastante corta pero por lo menos no roza el ridículo.

El mejor disco de la colombiana, un punto que nunca volvería a tocar, luego sacaría temas penosos hasta caer en el completo ridículo con discos candidatos a la mayor basura creada como Sale el Sol y Loba. ¿Quién piensa que alguien que canta Inevitable puede venderse al reggaeton? ¿Quién creería que alguien que te deja frío con la potencia con que interpreta Tú puede luego verte la cara con esa canción llamada Loba? Pero así son las cosas, este disco es un 10, pero el respeto de Shakira por sí misma lo hace digno de un uno, vamos que la muchacha no tiene verguenza. Tampoco es cosa de ser trágicos, el disco seguirá existiendo así Shakira mañana se cambie al flamenco.

Like a Prayer – Madonna (1989)

Puntaje del disco: 9,5

  1. Like a Prayer  10
  2. Express Yourself  9
  3. Love Song  8,5
  4. Till Death Do Us Party  8
  5. Promise To Try  9
  6. Cherish  9
  7. Dear Jessie  7
  8. Oh Father  9
  9. Keep It Together 8,5
  10. Pray For Spanish Eyes 9
  11. Act of Contriction  8,5

Madonna es una artista indispensable para entender la música moderna, guste a sus detractores o no. Es la antecesora de todo el basurero pop actual, pero también de muchos artistas de calidad. Corría 1989 y la “reina del pop” (título innecesario, aunque merecido) decidió hacer un disco confesional. Un disco inspirado en su infancia, sus padres y su crecimiento.

Like a Prayer es una canción grandísima, una de las mejores de la historia no del pop, sino de la música. Life is a mistery, una completa declaración de intenciones. Una letra impresionante que describe las dudas sobre la fe y la confianza en un ser superior. Una guitarra que suena al inicio para dar paso a un tono de órgano y la hermosa voz de Madonna. El coro de Góspel hace su genial aparición un momento después y se gesta un tema inmortal. De blasfema nada, creo que más de un católico podría sentirse representado con esta canción: lo más grande que haya creado Madonna jamás.

Express Yourself es el segundo tema de este disco, una canción sobre el “poder femenino”, que invita a las mújeres a nunca ser “la segunda”. Un tema único, no me fascina, pero sé que es grande con su coro envolvente.  Love Song es un tema en colaboración con ese genio de la música que es Prince. Un inicio de canción similar al de Sign “O” The Thimes, un tema interesante, no al nivel del disco de Prince, pero bastante bueno.

Till Death Do Us Party es una canción sobre el matrimonio, un bache dentro del disco, una de las razones por las que no es un 10. Una canción pop bastante genérica, con genérico me refiero a algo que es capaz de hacer cualquier artista, un tema sin personalidad. Promise To Try es una de las mejores canciones del disco, una canción para su madre: “Little girl don’t you forget her face, laughing away your tears, when she was the one who felt all the pain”. Una balada cantada con todo el sentimiento, con el dolor de la ausencia del ser perdido.

Cherish es una vuelta de tuerca, mucho más alegre, del estilo que todo el mundo cree que es la música de Madonna. Es un buen tema con una letra que contrasta claramente con la seriedad de otros temas del disco: “Cherish the thought Of always having you here by my side”. Pero si hasta aquí todo apunta a genialidad es porque todavía no conocemos lo que sigue.

Dear Jessie, es decir, querida Jessie. Una canción inspirada en la hija del co-productor del disco: Patrick Leonard. Querida Jessie: eres un tema horrible, me fastidia tu tonalidad pretendida de Barbey y el lago de los cisnes, me aburres y por eso cuando suenas, pulso siguiente. No me importa si fuiste hecha con la intención de sonar infantil sólo sé que eres insoportable.

Pero todo se arregla milagrosamente con ese temazo que es Oh Father, con ese inicio tristísimo que nos habla de una mala relación con su padre, cuestión que queda mucho más clara con ese genial video. El coro alcanza a ser medio bizarro por el marcado contraste entre la voz melodiosa de Madonna y ese otro tono en el que parece Alaska. Por allá en el 2:20 el tema cambia de tono para recuperalo en el 3:10. Una de las canciones que más me gustan de esta chica.

Keep It Together es una buena canción sobre el matrimonio. Nuevamente se incluye un coro, un tema  bastante ochentero, similar a algunos del pop en español. En algún momento se puede sentir algún toque Prince. Pero en este disco, los puntos fuertes están más orientados hacia las baladas y de esas queda todavía otra.

Pray For Spanish Eyes con Madonna cantando el coro con voz desgarradora, según ella su primer homenaje al mundo latino. Una excelente canción, uno de los grandes temas del disco. Un baladón en toda regla. El cierre del disco no baja el listón con esa clara influencia de Prince en Act of Contriction, esto sí es una cosa rara en toda regla aunque bastante divertida.

Uno de los mejores discos de pop de la historia, uno donde Madonna alcanza su cumbre como artista. Por cierto que los videos son impresionantes: Like a Prayer, Express Yourself y Oh Father son auténticas obras de arte. Irreverente pero sincera, esta es la verdadera Madonna.

Adore – The Smashing Pumpkins (1998)

Puntaje del disco: 9,5

  1. To Sheila 9
  2. Ava Adore 9,5
  3. Perfect 8,5
  4. Daphne Descends 9
  5. Once Upon A Time 8
  6. Tear 9
  7. Crestfallen 9,5
  8. Apples + Oranges 8.5
  9. Pug 9
  10. The Tale Of Dusty And Pistol P 8,5
  11. Annie-dog 7,5
  12. Shame 8,5
  13. Behold! The Night Mare 8,5
  14. For Martha 9
  15. Blank Page 9
  16. 17 —

Hablar de Adore es hablar de uno de los discos que más haya marcado la carrera musical de un grupo. Luego de ese registro histórico de los 90 que es Mellon Collie, la banda tomó una decisión de la que Billy dice hoy arrepentirse: despedir a Jimmy Chamberlin. La historia y los motivos de su salida son por todos conocidos.  Chamberlin es un baterista enorme, uno de los mejores de la historia. Pero la cuestión aquí es que Adore no por eso es un mal disco y es que si Chamberlin es un gran baterista, Billy es un genio en todo regla, y aquí en este disco es cuando se hace evidente que gran parte de la gloria de The Smashing Pumpkins se debe a él.

To Shelia es una balada diferente a las que definen comúnmente el sonido de los Smashing,  un sonido muy suave como de ensueño. Con la voz de Corgan susurrando poesía: “Sheila rides on crashing nightingale, intake eyes leave passing vapor trails, with blushing brilliance alive, because it’s time to arrive”. Una canción bonita, un buen inicio de disco.

Ava Adore es una de mis canciones favoritas de The Smashing Pumpkins, donde se conjugan a la perfección el estilo propio de la banda con la electrónica que Corgan incluyó en este disco. Con gran cantidad de loops, la presencia del bajo y como siempre contagiosos estribillos. We must never be apart, es una sentencia cuya fuerza sólo se puede descubrir en un concierto de la banda. Una reinvención de su sonido aunque manteniendo ciertos esquemas tradicionales.

Por otra lado Perfect es la hermana menor de 1979, sé que a muchos les gusta pero a mí no termina de convencerme, un sonido bastante tradicional e inferior. De nuevo la temática de superar una relación de la mejor forma. ¿No suenan los Pumpkins hasta aquí como siempre? No veo ninguna diferencia, ah no, espera.

Daphne Descends es la primera prueba de que estos no son los mismos músicos que conocimos en Gish. Grandilocuencia musical, drama y belleza. Con Corgan cantando el coro con desesperanza: you loves him. Una de las mejores del disco, única en su sonido. Es aquí donde digo que Billy es un genio, esta canción es enteramente suya.

Once Upon A Time es una bonita balada, triste como no podia ser más. Mother I’m tired,
come surrender, my son time has ravaged on my soul, no plans to leave but still I go. Otra gran letra de Corgan que en este disco sacó su lado más poético, su cumbre como letrista está sin embargo, aún por llegar.

El exceso y la belleza dan lugar a Tear, melodramatismo intencionado, quizá manipulador. Reemplazando la batería por una caja de ritmos, las bases electrónicas dan lugar a algo similar a un solo. El principio de canción es grandioso, y cuando al final vuelve a aparecer al lado de la desgarradora voz de Corgan sabemos que esto es una canción enorme.

Cuando dije que la cumbre como letrista de Corgan estaba por llegar me refería a esta canción: poesía pura. La mejor de sus letras combinada con una excelente melodía. Who am I to need you now, and where are you when I need you around. Your life is not your own. ¿Existen mejores palabras para describir el amor, la obsesión, la necesidad de estar junto a alguien? También queda espacio para la desesperación cuando en el minuto 2:42 la canción llega a su cumbre: And as you were, you’ll be again To mold like clay, to break like dirt To tear me uo in your sympathy. Una de sus mejores canciones.

Apples + Oranges le corta a uno un poco el viaje, mucho más electrónica, un espantafans del Mellon Collie. No es de mis favoritas, pero está bien. Pug es descaradamente electrónica, un nuevo camino para los Smashing, con un coro más bien ñoño, pero la base electrónica lo supera todo. Uno de los mejores temas del disco, una vuelta de tuerca completa en su sonido y salen muy bien librados.

Viene el gran bache del disco, no tanto por The Tale Of Dusty And Pistol P que es una canción bastante correcta sino por esa candidata a peor canción de los Pumpkins que es Annie Dog. Nada, esta canción no tiene nada de donde sacarle provecho, música con desgano. No hay una base buena, no hay atmósfera rescatable. Pero hombre, que los Pumpkins saben reponerse.

Shame es uno de esos temas a los que yo le hubiera quitado unos minutos, pero no puedo negar que la melodía es atrayente, tristísima, con Billy sacando del alma ese alegato: sh, sh, sh, shame. Hello goodbye, you know you made us cry…

Behold! The Night Mare es una canción que podría tener peor nota de no ser por ese cambio que hace Corgan en el 2:51. Y una vez más la música se hace poesía, I’ve faced the fathoms in your deep withstood the suitors quiet siege pulled down the heavens just to please you to hold the flower I can’t keep. Algo mejor está por venir.

For Martha es una canción bellísima, un más que merecido homenaje para su madre. If You Have To Go, Don’t Say Goodbay. La única canción en la que Corgan se atreve con las guitarras de forma decidida, no puedo decir más con palabras. Blank Page es el cierre perfecto del disco, una de las canciones más tristes de los Smashing y eso es decir mucho: you haven’t changed, you’re still the same. 17 son unas notas y nada más: la pausa tras la tormenta.

Así, con lágrimas en los ojos termina esta amarga experiencia. El disco más triste que haya escuchado, sí, más que cualquiera de Joy Divison. Me vuelvo a robar la expresión que creo que mejor lo define: melancólico, melódico y oscuro. Tres canciones que me hacen llorar: Crestfallen, Blank Page y Tear. Uno de mis temas favoritos de The Smashing Pumpkins: Ava Adore y sus mejores letras. La consagración de Corgan como poeta. No me digan que esto es un mal disco.

Este no es el fin de los Pumpkins, es el cambio: la nueva ruta que no supieron seguir. Prefirieron volver a su antiguo sonido y trajeron al mundo su primer disco regulero: Machina/The Machines of God, pero eso es tema para otro día. Por el momento, a disfrutar.

 

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